pendant l'hiver 1912

Rivera a conçu ses premières compositions cubistes pendant l'hiver 1912, évoluant à partir des peintures maniéristes d'El Greco (Doménikos Theotokópoulus) et a exposé quelques-uns de ces travaux au Salon d'automne de Paris. Le cubisme de Rivera a suivi un chemin qui a mené des influences tôt de l'orphisme de Robert Delaunay et du futurisme italien à son propre langage formel complexe caractéristique. Il incorpore des textures réalisées avec du sable et du liège et une riche palette chromatique orphique que ses détracteurs considèrent sauvage et primitive jusqu'à ce qu'elle arrive à la conception d'espaces compositionnels enveloppants comprenant des énergies centrifuges et centripètes extrêmement dynamiques.

Vers l'année 1916, Diego Rivera commence à affiner son cubisme vers une abstraction plus puriste de formes géométriques austères, comme le montre le portrait de Rivera, datant de 1916, vendu aux enchères dans notre vente en Amérique latine, catalogué comme un portrait d'Angeline Beloff décennies. En réalité, ce tableau est le portrait d'une autre peintre russe, Marie Bronislava Vorobyeva-Stebelska, «Marevna» (1892-1984), que Rivera rencontra vers 1915 à la suite de leur amitié mutuelle avec le poète Ilya Ehrenburg. Rivera avait une liaison passionnée avec Marevna, qui, bien qu'éphémère, produisit une fille nommée Marika.

En el dia de muertos

Frida Kahlo. El difunto Dimas. 1937.

Es una de las obras mas extraordinarias

Pertenecientes a la época de la Escuela Mexicana

Fue dentro de la exposición de Mexican Art Today

Del Philadelphia Museum en 1943, cuando por primera vez

Se mostraba esta obra a nivela internacional

Fue Diego quien tuvo a bien sugerir dicha obra de excelsa calidad

Y no porque no existan obras extraordinarias de este nivel de factura sino que la iconografía de la obra tiene una carga emocional única!

Lo que si sabemos es que son pocas las obras aun identificadas en colecciones particulares que aun hoy se podían incluir en esta muestra

Y esta es una de ellas y que sin duda a mas de siete décadas de distancia el impacto que generaría esta obra sería  colosal

Paradójicamente el pasado mes de octubre se inauguro otra muestra de “Arte Mexicano” en el mismo museo en los Estados Unidos,  pero con una curaduría sumamente pobre mas cercana a lo “artesanal” que para nada muestra la grandeza de nuestra Escuela Mexicana.

Lo que si es seguro es que este tipo de omisiones reflejan la apatía curatorial en nuestro país.

Adolfo Cantú

Des « Impressionnistes »

Des « Impressionnistes » 

Le 35 boulevard des Capucines vers 1870

Origine

Jusqu'en 1874, l'unique exposition était le « Salon » organisé par l'Académie des beaux-arts, successeur de l'Académie royale de peinture et de sculpture. Les artistes y étaient à la merci d'un jury, celui-ci distribuant les récompenses et les honneurs aux œuvres traditionnelles et académiques.

Dès 1855, le peintre Gustave Courbet prend la tête d'un mouvement contestataire.

Avant 1870, Cézanne avait déjà été refusé au Salon avec quelques peintres de l'entourage de Manet et le Salon des Refusés était une section du salon officiel sous le contrôle de l'État.

En 1873, l'écrivain Paul Alexis lance un appel aux peintres et aux sculpteurs :

« Comme dans toute autre corporation, la corporation artistique doit organiser sa chambre syndicale car la gloire et la notoriété sont un capital, l'État et les marchands de tableaux des patrons. »

En 1874, Claude Monet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Prins et Berthe Morisot fondent la Société anonyme coopérative des artistes peintres, sculpteurs et graveurs, société à capital et personnel variables, dont le gérant provisoire est Pierre–Firmin Martin. Ils y investissent leurs fonds propres pour organiser une première exposition dans les locaux du photographe Nadar, 35 boulevard des Capucines1, au 2^e étage de l'immeuble.

Le 35 boulevard des Capucines vers 1870.

Numéro 35, Boulevard des Capucines habitée par Nadar tel qu'il existe en 2009

C'est la première exposition des « Impressionnistes », qui réunit 29 exposants2 dont Eugène Boudin, le graveur Felix Bracquemond, Cals, Stanislas Lépine, Rouart.

Le critique Louis Leroy prend le titre d'une œuvre de Monet, Impression, soleil levant (1872, Paris, musée Marmottan), pour tourner en dérision l'exposition et qualifie donc ces artistes d'« impressionnistes ». Un article dans Le Charivari du 25 avril tourne le groupe en ridicule. Un grand nombre de curieux et badauds se précipitent à l'exposition.

La Société organisera huit expositions en tout.

La deuxième a lieu 11, rue Le Peletier en 1876 ; la troisième se tient 6, rue Le Peletier en avril 1877, la quatrième au 28, avenue de l'Opéra en avril et en mai 1879.

La Société fait un premier bénéfice, mais on remarque l'absence de Cézanne, de Renoir, de Sisley et de Berthe Morisot. La cinquième exposition, qui se tient 10, rue des Pyramides en avril 1880 compte quinze exposants dont Gauguin.

En 1881, la sixième exposition se déroule au 35, boulevard des Capucines et, en 1882, à l'occasion de la septième exposition dans la galerie de Durand-Ruel, il ne reste que huit participants. La huitième et dernière manifestation a lieu au 1, rue Laffitte en mai et en juin 1886, et compte dix-sept participants. Monet et Renoir n'y participent pas car Seurat, un nouveau venu, est à l'origine de bien des disputes.

En 1881, l'État abandonne le salon officiel et laisse la place au Salon des artistes français.

Les Néo-impressionnistes, dont Seurat, créent le Salon des indépendants en 1884.

FR. CLÉVENOT

Amsterdam

Colection Cantú Y de Teresa

  

Jan Both 1618-1652

Jan Dirkszoon Both (Utrecht, 1618 – 1652) fue un pintor paisajista holandés, de gusto clasicista bajo influencia italiana.

Hijo de Dirck Both, pintor de vidrieras de Montfoort, se forma junto con su hermano Andries, también pintor, en el taller de Abraham Bloemaert.

Hacia 1638, Jan se traslada a Roma, donde se reúne con su hermano Adries. Allí, Jan participa en uno de los grandes proyectos decorativos del siglo: el nuevo Palacio del Buen Retiro de Madrid. Junto con otros pintores como los franceses Poussin, Claudio de Lorena y Gaspard Dughet, y el holandés Herman van Swanevelt, Both produce (1639-41) diversos paisajes de gran formato para el palacio. Varios se conservan en el Museo del Prado, si bien algunos se le atribuían por error y son realmente de Swanevelt. Dicho museo ha catalogado las obras de ambos.

Los paisajes de Both se diferencian de los habituales en Holanda por un predominio del volumen sobre el detalle. Both se inclina, además, por una luz dorada que delata la influencia de Claudio de Lorena, cuyo éxito arrancaba en esos años.

Se creía que Jan y Andries producían sus cuadros a dúo, y que Jan pintaba los paisajes y Andries las figuras de todos ellos, pero actualmente se matiza dicha participación.

En 1641, Jan y Andries abandonan Roma para volver a su país, pero en Venecia, Andries cae en un canal y muere ahogado. Jan vuelve a Utretch solo, donde morirá en 1652.

Se considera a Jan Both como el enlace entre los pintores italianos de paisajes clasicistas y los seguidores holandeses. La influencia de Both es clara en figuras como Nicolaes Berchem, Adam Pynacker y Aelbert Cuyp. Aunque murió joven, su producción fue extensa, con más de 300 cuadros atribuidos a su mano. Sus paisajes están habitados por figuras populares –campesinos, artesanos, viajeros–, representando una novedad respecto al paisaje clásico italiano, donde abundan las figuras bíblicas o mitológicas. Su obra contribuyó a crear una imagen idílica de Italia en el norte de Europa, sobre todo en Inglaterra, que perduró hasta el siglo XVIII.