Federico Cantú Garza por Ernesto Lozano

Patrimonio de Federico Cantú

Ernesto Lozano

http://www.razon.com.mx/spip.php?page=columnista&id_article=78200

Al Dr. Norman Javier Narváez Hospital General de México

Federico Cantú es de los pintores más completos de México y uno de los poseedores de la iconografía más exacta sobre los mitos aztecas, toltecas, zapotecas, mixtecas; similar a la expresada por el maestro Diego Rivera en sus murales, sus lienzos y en sus grabados.

Aún más, es considerado el mejor grabador de México. Le dio identidad al Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS), con las esculturas sobre nuestra Madonnas, y es quien nos representa con pintura sacra en el Vaticano durante el siglo XX.
Por cerca de una década (1924-1934) realizó viajes por regiones de Europa y de los Estados Unidos. Exhibió por vez primera en el Exposition Park Museum de Los Angeles, California, en 1929, y tomó parte en diversas exposiciones colectivas en Nueva York y Filadelfia, donde se presentó su trabajo al lado del de Diego Rivera, Montenegro, Mérida, Rufino Tamayo. Regresó a México en 1934 y formó parte de la llamada Escuela Mexicana de Pintura.
En noviembre de 1938, Cantú se instaló en Nueva York, en el 355 East 50 St., en el Greenwich Village, junto al atelier de su maestro de escultura, José De Creéft. En 1943 ingresó como maestro a la escuela La Esmeralda junto con los más grandes pintores del siglo XX. Dos años después empezó a trabajar la punta seca con Carlos Alvarado Lang. Ese mismo año viajó a los Estados Unidos para impartir clases en la Universidad de California.

El contenido histórico y religioso de su trabajo fue desarrollado a través de una técnica de dibujo de excelente calidad que surgió tras su transitar en la Grande Chaumière y la Acadèmie Colarossi en la década que pasara en París. La mayoría de la obra del atelier de Montparnasse en la nación parisina fue destruida en la Segunda Guerra Mundial.
Fue hasta la década de los años 40 cuando inició su carrera como muralista. Diez años después se dedicó a la pintura mural. En 1960 empezó a producir relieves y escultura emblemática a petición del Instituto Mexicano del Seguro Social.
Creó su último monumento en 1988, a la memoria de Alfonso Reyes. Cantú transitó paralelamente junto con los más grandes críticos y poetas de la época: Renato Leduc, Luis Cardoza y Aragón, André Breton, Antonin Artaud, MacKinley Helm, José Moreno Villa, Alí Chumacero y, por supuesto, Alfonso Reyes, quien expresó del pintor: “surgió hijo de sí mismo, su obra aviva el afán prehispánico, la flora, la fauna, el paisaje y la simbología mitológica y religiosa. Pero sobre todo recrea el universo cultural que cultivó a lo largo de su vida”.



Existen muchas leyendas en torno al maestro Cantú. Una refiere al muchacho que siguió la escuela de Barbizon en Coyoacán con Alfredo Ramos Martínez. Otra alude al muchacho achichincle del maestro Diego Rivera, que muele colores de varios pigmentos, para los frescos de la Secretaría de Educación Pública. Una más refiere el transitar de un joven pintor que durante una década convive en Montparnasse con Breton, Artaud, Foujita, Zadkine De Créeft, Picasso, Miro, Man Ray, Gala, Vrieshka, Kiki de Montparnasse.
Hablamos sobre un Cantú que se integró a la Escuela Mexicana de Pintura y que expuso en el MOMA en la Tate Gallery, uno de los artistas fundadores de la Perls Gallery y que fue visitado por Rockefeller. Un Federico Cantú que fincó su grandeza en monumentos, universidades y edificios públicos, sacros y privados por toda nuestra nación.


La Razón conversó en exclusiva con Adolfo Cantú, albacea de la obra de Federico, quien fuera su abuelo.
¿Cómo se logra recuperar la obra del maestro Federico Cantú?




Al fallecer el maestro queda como albacea de la obra su hermano, pero las cosas se fueron complicando... Al morir mi abuelo, el último domingo de enero de 1989, el albacea no hace la denuncia testamentaria que incluía la fortuna de Federico que ganó gracias a su producción artística, al saber esto, nos centramos en salvar su riqueza artística. Si el dinero se tenía que perder que se perdiera, pero era necesario poner a salvo la obra, pues no existían inventarios. Pedí asesoría y recurrí al despacho Goodrich Riquelme, sin tener idea de cuánto podía costar una sucesión testamentaria, más cuando se trata de obras de arte. Éramos siete familias interviniendo por quedarse con la obra, El proceso duró aproximadamente cinco años, tiempo durante el cual nos vimos imposibilitados de promover la obra del artista.


¿Qué sucedió durante ese tiempo?



Decidimos sacar un primer libro sobre la obra de Federico Cantú, financiado por BANPAÍS y firmado por CONACULTA como investigación. Hasta ese momento no existía libro alguno a la venta. Mi abuelo atesoraba todo lo que producía, él imprimía sus grabados y era lo que vendía. Los óleos los acumulaba como loco, a tal grado que el inventario superó las 15 mil piezas en pintura, escultura y proyecto mural al momento de su muerte. Federico Cantú trabajó todas las técnicas: dibujo, cafeína, carbón, todo lo imaginable en un artista. Él nunca se separó de su colección de tintas de París.
¿Qué obras importantes y en qué lugares podemos encontrar parte de la producción del maestro Cantú? En 1957 (año en que muere Diego Rivera), mi abuelo recibe el encargo de hacer en la universidad de UIC un mural sacro, justo después de terminar el mural Los informantes de Sahagún en la Pinacoteca Virreyna. En el Museo Regional de Morelia ya contaba con Los Cuatro Jinetes del Apocalipsis. En 1958, durante el 150 aniversario de nuestra Independencia, creó La unidad Independencia, por aquel tiempo le encargaron todo lo que tiene que ver con el IMSS: La tira de la peregrinación azteca en el Centro Médico Siglo XXI, Enseñanzas del cura Hidalgo en Guanajuato, y todas la madonnas de esa institución, La Purísima en la Universidad de Nuevo León.




¿Cómo fue de significativo el paso de Federico por París y esa relación especial que siempre sostuvo con Francia?

De 1924 a 1934 convivió con todos los grandes de Montparnasse. En el mismo edificio donde él vivía estaban Man Ray, Joan Miró, Tsuguharu Foujita, amigo de Diego y novio en ese entonces de Kiki de Montparnasse. Todos allegados a Modigliani, Joaquín Peinado, Picasso, Ginés Parra, Julio González, Bretón, Eluard, Ernest Hemingway, Lino Espilimbergo y los cubanos Wilfredo Lam, Mario Carreño y Carmelo González —quien después expone en México entre los años 34 y 36 en la Galería de Inés Amor, hoy Galería de Arte Mexicano, la más representativa galería de México—. En México, Cantú recibió al “poeta maldito”, Antonin Artaud y trajo al nuevo grupo de franceses para realizar aquí la primera exposición surrealista.
Hasta aquí la primera parte de dos de esta columna sobre el gran artista mexicano de quien la crítica Raquel Tibol dijo, “Cantú es el gran olvidado”.

Federico Cantú 
1907-1989 Pintor, grabador, escultor 
Estudios: arte en las Escuelas de Pintura al Aire con Ramos Martínez 
Parte de su legado: Enseñanzas de Quetzalcóatl Enseñanzas del cura Hidalgo Tira de la peregrinación azteca Cristo muerto Cuatro jinetes del Apocalipsis El triunfo de la muerte Zapata, Tierra y Libertad Leda y el cisne Monumento a Alfonso Reyes
http://ernestolozano.artelista.com 
http://blogs.razon.com.mx/deartesvi...

AUTORRETRATO EN MINIATURA
signed Mara and dedicated Para Bartoli con amor on the reverse
oil on thin panel with tin border
2 by 1 5/8 in.
5 by 4.2 cm
Painted in 1946.
ESTIMATE 800,000 - 1,200,000 USD
PROVENANCE
José Bartoli, New York (gift of the artist)
Sale: Sotheby's, New York, Latin American Art, November 20, 2000, lot 11, illustrated
in color
EXHIBITION
London, Tate Modern, Frida Kahlo, June 9-October 9, 2005
Minneapolis, Walker Art Center, Frida Kahlo, October 27, 2007-January 20, 2008;
Philadelphia, Philadelphia Museum of Art, February 20-May 18, 2008; San Francisco,
San Francisco Museum of Art, June 16-September 28, 2008, no. 65, p. 211, illustrated
in color
LITERATURE
Hayden Herrera, Frida, A Biography of Frida Kahlo, New York, 1983, p. 370
Martha Zamora, El Pincel de la Angustia, Mexico City, 1987, p. 385
Helga Pringnitz-Poda, Salomon Grimberg and Andrea Kettenmann, Frida Kahlo, Das
Gesamtwerl, Frankfurt, 1988, p. 160, no. 114, illustrated in color, p. 257
Hayden Herrera, Frida Kahlo, The Paintings, New York, 1991, p. 116, illustrated in
color, p. 242, 254
Hayden Herrera, Frida Kahlo, New York, 2007, no. 65, p. 211, illustrated in color
CATALOGUE NOTE
Frida Kahlo's oval Autorretrato en miniatura is the smallest painting she ever made. It is
also one of her most powerful. The power does not come, as it does in her portraits of
herself injured or in tears, from the urgency with which she presents her predicament.
Rather it comes from the force of her presence. Within this tiny oval she has packed a
charge of energy that brings to mind the Surrealist poet André Breton's description of
her art as "a ribbon around a bomb."
Dressed fit to kill in a red Tehuana blouse, ornate silver earrings and an exotic
necklace, Frida looks ready to take on the world. Her sartorial choices had complex
motives. When she married the muralist Diego Rivera in 1929 she began to dress in
native Mexican costumes, in part to please her husband, in part to assert her Mexican
identity and her allegiance to la raza, and in part to hide her slight limp cause by a
childhood bout with polio and a bus accident at the age of eighteen. No less important,
she loved the sensation her picturesque clothes made as she played beauty to Rivera's
beast.
Frida's long black hair, braided and pinned to her head, is topped by an outlandish
bunch of poppy-like flowers with dark centers. The flowers are arranged so that they
look visceral. In the top center of the miniature Autorretrato en miniatura red petals
come together to form a dark crevasse that suggests female genitals. In Kahlo's work
such fleshy flowers could signify pain or joy. In the case of the miniature, I believe they
stand for passion. The way Kahlo painted the flowers out onto the picture's frame
makes her presence immediate and palpable. She bursts out of the picture and into our
space.
That is where she wanted to be; unlike paintings in which Kahlo confronts the viewer
(and her own self) with her sufferings, this tiny self-portrait had a happy purpose. It was
Fig. 2
Photograph that Frida Kahlo sent
to José Bartoli
almost certainly made as a gift for a friend, but not necessarily for the friend, artist José
Bartoli, to whom she finally gave it. Her self-portrait was a substitute Frida that placed
her close to someone she loved. In that way it recalls the oval photographic portraits of
the Victorian era, especially to photographs which were inserted in lockets. Kahlo's
photographer father must sometimes have taken such portraits and, as his assistant,
Kahlo must have learned to retouch them.
Some time in the mid-1940s Frida Kahlo gave this miniature Autorretrato en miniatura
to her lover, Catalonian artist Jose Bartoli (1910-1995) who lived in Mexico from 1942
to 1946. Bartoli was handsome, intelligent, humorous, and passionately political. His
voice was deep and soft; he is remembered as having been exceptionally gentle but at
the same time strong. He was also a great story-teller with a dramatic past about which
to recount tales. Having fought in the Spanish Civil War, he fled from Spain in 1939,
and then suffered horrors in prisons and in concentration and refugee camps in France
and Germany. After escaping to South Africa in 1942 when he was thirty-two he made
his way to Mexico. In the following year, along with the Mexican painter Alberto
Gironella and other friends, he began to put out the magazine Mundo en México. In
1944 he published Campos de concentración (concentration camps), a group of
drawings he made secretly in the French and German camps and that document the
cruelties to which he had born witness.
Exactly when her love affair with Bartoli began is not known. They definitely were
involved with each other in 1946 and the relationship had probably gone on for at least
a year before that. It is said that they talked about running away together and going to
Paris, but their mutual friend Ella Wolfe warned Frida that she would be miserable, for
the real love of her life was Rivera.
Among Kahlo's twenty or so letters to Bartoli is a love letter dated "August 29." She did
not give the year. After the day and month she wrote: "our first afternoon alone," which

Siqueiros Paisajista

ACTIVIDADES PARALELAS
JORNADAS SIQUEIRIANAS
MIÉRCOLES 10, JUEVES 11 Y VIERNES 12 DE AGOSTO 19:30 HORAS ENTRADA LIBRE Y GRATUITA
En el marco de la exposición SIQUEIROS PAISAJISTA las Jornadas Siqueirianas buscan generar un espacio de diálogo y reflexión entre diversos especialistas y apasionados en torno a la obra de Siqueiros. A través de mesas redondas y ponencias nos interesa generar un debate e intercambio abierto.




“Lo que se vive es finito; lo que en el arte emerge, infinito”.

Siqueiros Paisajista es sin duda una de las muestras de arte mas extraordinarias para admirar este 2011 y la mas importante desde la muerte del artista en 1974.

Después de haber presentado esta excelente exposición en el Museum of Latin American Art (MOLAA) de Long Beach, California, con un rotundo éxito en tan solo 4 meses esta muestra recibió 14 mil visitantes y es ahora que el Instituto Nacional de Bellas Artes y el Museo de Arte Carrillo Gil presentan en México a partir del 12 de mayo - 23 de octubre 2011.




Si bien David Alfaro Sequeiros es reconocido como unos de los “tres grandes muralistas mexicanos” su obra de caballete al igual que la obra mural esta considerada como patrimonio.
Su inmenso legado lo coloca dentro del grupo de los pintores mas trascendentes del siglo XX. Por ello esta muestra nos da la oportunidad de poder degustar la visión estética y multicolor inmersa en los lienzos o “Pinturas transportables”, como las llamaba el propio Siqueiros, quien consideraba la pintura de caballete como bocetos que tarde o temprano desembocarían en un mural, esta requisa aérea que nos da el paisaje es lo que presenta esta exposición, única en su tipo, que conjunta aproximadamente ochenta pinturas y dibujos que nos muestran el interés y profundo estudio que tenía el gran muralista sobre los elementos que conforman el paisaje; horizontes abiertos, cordilleras volcánicas, ciudades imaginarias , formas turgentes y hasta los primeros planos de superficies telúricas, una experiencia absolutamente emocional y dramática que refleja el pensamiento de este artista. Como todo en la obra de Siqueiros, el paisaje se mueve, vibra, salta y nos atrapa, sus volúmenes se desproporcionan para exaltar su monumentalidad .

Hay en la obra de este maestro una evolución constante tanto en el color que utiliza en su pintura de caballete pasando por el pastel, acrílico y piroxilina, como el efecto logrado por la pistola de aire o el accidente controlado aplicado al pincel , con ello traza unas fugas y perspectivas que producen diferentes visiones dependiendo la posición o distancia en la que se admire la obra .






Este acerbo perteneciente a diferentes colecciones particulares , museos e instituciones publicas y privadas nos da muestra del conocimiento adquirido por Sequeiros a lo largo de su complicada vida , pasando por un largo andar en ochenta países, como en sus vivencias en las trincheras en la Guarra Civil Española , todo un lamento expresado en lienzos como el de barranca de Hostotipacillo único lienzo pintado en 1940 mientas permanecía oculto después del atentado a Trosky, así como en la obra miniatura denominada “Arte Carcelario” pintada en un encendedor durante su ultima y larga estancia (1960-1964) en prisión .

Si bien la obra se encuentra dispuesta en los Salones del Museo Carrillo Gil de manera dispersa iniciando con un magnifico autorretrato titulado “Yo por yo” de 1956 perteneciente a la Colección del MAM y no con la idea de mostrar una retrospectiva lineal de muchas décadas de trabajo, es sorprendente como se pueden enfrentar una obra de la época de la Escuela al aire libre pintada al pastel en 1911 con un contenido impresionista transmitido por el maestro Alfredo Ramos Martínez con una poderosa piroxilina sobre masonite de los años cuarenta .







Además, en Siqueiros Paisajista, encontramos una importante selección de fotografías y documentos que dan cuenta de su importante faceta como paisajista, ya que como recordamos el propio Siqueiros tomaría estos lienzos como anteproyecto, el no pintaba al natural, más bien fotografiaba y coleccionaba fotos, incluso compró varias imágenes aéreas realizadas por la primera Compañía Mexicana de Aerofoto, de ahí, su particular perspectiva curvilínea, mejor conocida como “Paisaje cósmico”. Gran parte de su obra refleja lugares específicos y describe la topografía mexicana, pero cuando se encontró tras las rejas del Palacio Negro de Lecumberri, en los años sesenta, tuvo que cerrar los ojos para recordar el afuera, creando los paisajes imaginarios más sorprendentes.
En la exposición se recorren raíces arbóreas, ejércitos indígenas, ciudades en llamas, urbes futuristas, antenas, pistas imaginarias , progreso y ciencia, desastres y transformaciones industriales, además de fotografías muy selectas de este gran promotor del México moderno.







Para ahondar en el análisis dedicado a este género en su obra, doce ensayos temáticos, reunidos en un catálogo a la venta, refuerzan las tesis que conforman los núcleos curatoriales de esta exposición así como las obras reunidas a lo largo de una investigación de mas de años, revisando cuatro décadas de trabajo plástico. Entre los colaboradores se encuentran: Irene Herner, Esther Acevedo, Manuel Marín, Jorge Reinoso y Laura González.

La curaduría e investigación de la muestra estuvo a cargo de Itala Schmelz, Alberto Torres, América Juárez y Christopher Fulton. Esta exposición, primera en su tipo en ser presentada, incluye aproximadamente la mitad de los ciento cincuenta paisajes que Siqueiros produjo durante su vida y es el resultado de más de tres años de colaboración que comprende la reunión de obras de arte de más de veinte museos, colecciones privadas de México y Estados Unidos. Asimismo, revela al renombrado muralista mexicano David Alfaro Siqueiros como uno de los más grandes paisajistas. Con una selección de sus obras y dibujos más importantes en este género, la exhibición muestra la visión dinámica del artista sobre el paisaje y el medio ambiente.

Siqueiros Paisajista
12 de mayo - 23 de octubre 2011.

Adolfo Cantú

Le Art Journal, es una publicación de arte donde pretendemos divulgar las corrientes estilísticas de diversas épocas y mostrar como testimonio el interés creciente de los coleccionistas particulares que se han dedicado en los últimos años a adquirir obras que revaloran el arte nacional y universal .

Este nuecero esta dedicado a tres grandes escultores
Aligna – Bo & Luis Ortiz Monasterio.





Presentados por primeravez de manera conjunta como Colección de Arte CYDT , debido a que algunas obras que la conforman se han exhibido en diferentes muestras y museos de Francia, México y Estados Unidos.




Los Coleccionistas

Para le Art Journal es importante resaltar el rol que los coleccionistas tienen para promover y divulgar el arte, para la publicación dispone de la Sala virtual Museo CYDT de Colecciones Especiales en la que se exhiben distintas obras que permitan al público ver obras con un alto valor, tanto estético como comercial.


Luis Ortiz Monasterio

A partir del pasado mes de septiembre hemos podido incrementar la presencia de la obra pictórica y escultórica en Nuevo León del Escultor Luis Ortiz Monasterio 1906 - 1990. Las diferentes temáticas de este magnifico artista nos han permitido transitar en diferentes exposiciones tal es el caso de la expo Tres Maestros de la Plastica Mexicana 2009-2010 , dentro de la cual presentamos 45 obras de gran formato y que próximamente presentaremos el catalogo . Tan bien en el Salón de la Plastica Méxicana mostramos 2 obras que a partir del mes de mayo se incrementara la exposición con obras de caballete mobiliario y escultura
En la Casa Estudio Diego Rivera Frida Kahlo .Y como proyecto 2010 el acerbo Cantú Y de Teresa pro mueve tres exposiciones en Los Estados Unidos de Norte América.







ALIGNA

Né le 26 Février 1957 à Bankang LAOS
Plasticien autodidacte

EXPOSITIONS INDIVIDUELLES




2007 - Installation de “ Ma poubelle , ma Muse “
chez Yao Souka . Paris France
2005 - Installation de “ Mes fleurs , c’est du bidon “
à Au Tour Du Feu . Paris France
2003 - Création d’une oeuvre pour le styliste Montana
“ Le Noel des Créateurs “
1990 - Peintures au Centre Culturel Chinois . Paris France
1989 - Peintures à la gallerie
o Val Ray et Arte Moderno à Mexico


EXPOSITIONS COLLECTIVES

2006 - Installation de “ Mes Fleurs , c’est du bidon “ à OPEN9
au Lido à Venise Italie
- Installation de “ Flowers “ au Museo del Parco
à Portofino Italie
- Sculptures à la Fondation Olana
Catskill - NY Etats Unis
2005 - Scuptures pour le Midsumer à Lisekill - Suede
- Sculptures pour “ 60 ans , 60 urnes “ Mairie du 9è Paris
et à Gennevilliers
- Installation de “ Fleurs “ dans Les Jardins de Montagny
2003 - Les rencontres du “ Pré de l’ane “ à Cucugnan - France
2002 - Les rencontres du “ Pré de l’ane “ à Soulatgé - France
2000 - Installation de “ Puzzles “ au symposium Le vent des Forets
à Pierrefite sur Aire - France

Vit et travaille à Chars dans le Vexin Français - France
Contact : aligna9@gmail.com
* Aligna est représenté par
La galleria del Leone
via della Fonte , sn Fontecarmine - 02031 Castelnuovo di Farfa (RI) Ita -
tel. +39 339 6886 954 or : 33bis , rue du Banquier 75013 Paris France
tél . + 33 6 09 65 78 98


http://www.aligna.fr







>

Adolfo Cantú Bo
Artista Plástico – Coleccionista y Critico de Arte

La obra de Arte es una representación sensible de lo supersensible; de lo
espiritual.

Mi inclinación en el Arte surge desde mi infancia , en mi familia nacimos
coleccionistas, nos iniciamos, jugando en la casa de muñecas de Frida Kahlo
Misma que Isolda ( sobrina de Frida ) nos regalo, Todos los grandes Maestros
Del Arte del Siglo XX estaban referidos o en casa de Mis Abuelos o en la
nuestra

De muy chamaco me fui a vivir a París , me toco la gran época del Boburg
Cultive la música y la pintura .
En verano me instale en Calvisón en un Atelier de Arte en Camargue
De ahí viaje a Marruecos , instalándome en Martil. En la costa mediterránea

A lo largo de la ultima decada la producción de mi obra , producida en los
Ateliers
De Chars Francia y Atelier Desierto de Los Leones México se encuentra
repartida
A lo largo de AMERICA Y EUROPA


Yo creo que hoy mi pintura y escultura es una fusión de toda una serie de
vivencias
De estos dos continentes; distintos en vegetación y fauna, pero similares en
sensibilidad

El año pasado asistí al Encuentro Mundial de Muralismo de ahí fui invitado a
colaborar
Con la Fundación Diego Rivera y la Cite de la Creation para darle forma al
proyecto Mural Homenaje Rivera en dic07
También ( en 06) después de vender mi obra pitorica al Hotel Presidente
Cancún presenté el Homenaje a uno de mis maestros escultores Luis Ortiz
Monasterio


En septiembre perpáro una expo en el Foro Mundial Monterrey NL
Para octubre planea una expo en Cuba
Y en Noviembre presento una obra dentro de una colectiva de Artistas
consagrados en México DF






Convengamos en que hay pintores grandes, pequeños y medianos, también lo que
se ha dado en llamar grandes pequeños pintores; asi podría de los poetas,
que los hay grandes pequeños poetas. Aceptamos que así sea. Pero hay otra
manera de juzgar, medir y calificar a un artista. No menores, no mayores, no
medianos, que todos son iguales en voluntad avasalladora de buscar la
belleza
hay artistas de una sola aurora y de un solo cenit. Y los hay de muchos
amaneceres y múltiples mediodías


Adolfo Cantú 1958 Bo

Adolfo Cantú - Bo 1958 Artista plástico nacido en Monterrey Nuevo León México
Desde muy chico fue un apasionado del Arte. La convivencia con sus dos
abuelos pintores; Luz Fabila 1905-1984 y Federico Cantú 1907-1989 ; lo
guiaron dentro del camino de las Bellas Artes. Sin embargo; Adolfo se
considera autodidacta; Sin dejar de reconocer la influencia ejercida por su
Familia, y por los estudios en Diseño Gráfico y Arquitectura, aplicándolos
en muchas de sus obras.
Adolfo Pertenece a la escuela de Monasterio y Cantú en México y Calvisson,
Chars en Francia. Su producción artística es extensamente variada e
impredecible.
Adolfo inicia su camino pictórico a finales de los 70´s colaborando en
talleres artesanales de México Atelier de Luis Ortiz Monasterio y Federico
Cantú Garza
en San Jerónimo Lidice . Desarrollando moldes para fundición y acabado de
piezas a la cera perdida, retocando también arcilla y piedra del maestro
Cantú ; trabajo que repite posteriormente en en Calvisson- Francia, para
mas tarde trasladarse a los talleres artesanales de Martil en el
mediterráneo Marroquí; para aprender técnicas en modelado geométrico; para
el trazo de celosías ventanería, teñidos y herrería, con el Maestro Meki
Megara , técnica que años después aplicara en obras de dimensiones
Arquitectónicas en México. Después de pasar un tiempo en Marrakesh decide
instalarse en Rue Des Orfebres en Paris y posteriormente en Rue Milton
donde instala su primer Atelier.
En la década de los 80’ desarrollo mas de un centenar de escenografías en
México, iniciandose en el trabajo de grandes formatos utilizando diferentes
materiales y texturas. AC. se integra como subdirector a la Galería de Arte
Moderno y Val Ray Reforma de Raimundo Martínez; así mismo Adolfo inicia
una relación estrecha con la casa de subasta Sotheby’s manejando el acerbo
de obra de su abuelo. Mas tarde se une al movimiento de arte vanguardia de
Chars, con el maestro Aligna Zadacome, trabajando la escultura en chatarra
.. A mediados de los 90´s inicia una serie de trabajos en hoja de plata y
hoja de oro y chatarra Madera,Metal y Bronce.
La temática de Adolfo Cantú se impregna de movimientos diversos; cubismo,
surrealismo abstracto, expresionismo abstracto. Técnicas: Escultura en
Metal, Mármol, Bronce, Barro,PVC, Madera. Mobiliario escultórico.
En Mayo de 2005 su exposición es Inaugurada por la Directora de Cultura del
Gobierno del DF. Doc. Raquel Sosa. Con la presencia y las palabras
extraordinariamente emotivas del que fuera Secretario de Educación,
Lic.Miguel Gonzalez Avelar.
En Agosto del 2005 participa en Salón de la Plástica Mexicana Puertas
Abiertas 2005
Casa de España Agosto 2005 - Enero 2006 Muestra Atelier- obras recientes.
Abril 2006 - cuarenta obras pictóricas para la remodelación del Hotel
Presidente Cancún.
Sus conocimientos sobre Arte Mexicano del siglo XX lo han echo participe en
el 100 aniversario
de Frida Kahlo, Luis Ortiz Monasterio , Federico Cantú y 50 aniversario
Diego Rivera

PAUL ELUARD

Arlequin Triste Federico Cantú Paris 1933



Una muchacha desnuda y rapada va por la avenida. Su sombra es tan frágil como su cuerpo. Resuenan en los adoquines los pasos de la multitud en desorden. Unos hombres custodian a esta figura cuya indefensión es su marca, no se sabe a dónde la llevan, caminan muy decididos mientras ella en momentos se cubre el rostro con una mano en un gesto delicado, y en tanto sigue avanzando situada en el centro de la procesión. Los gritos y las risas de la gente son parte del espectáculo. Un hombre ebrio canta La Marsellesa en una esquina.

El poeta había cantado el poder mirar los sueños con los ojos abiertos. Ahora esta imagen lo hiere. Aprieta en silencio los puños porque siempre frente a una turba la persona no involucrada es débil, como cuando un huracán lo arrasa todo. Y en muchas calles de París suceden escenas similares a la que ahora ha visto. Las mujeres acusadas de “colaboración horizontal” —curioso término expuesto solemnemente—, es decir, de haber sido amantes de los alemanes, son rapadas y exhibidas por las calles. Y con algunas de ellas pasan cosas peores. Es el día de la Liberación.

Paul Eluard (1895-1952), era el cantor de la Resistencia a la Ocupación alemana de Francia durante la Segunda Guerra. Quizás sólo durante la guerra civil española los poetas tomaron partido tan abiertamente por una causa popular. Con algunas excepciones, la mayor parte eran de izquierda y muchos de ellos militaban en el Partido Comunista. Si un día era esperado por él se trataba del que inaugurara la Liberación.

El poeta siente un vacío en el estómago. Se aleja por una calle tratando de dejar el ruido detrás, imagina que pudiera envolverse en la oscuridad en ese momento, abrir los ojos a una realidad diferente, por ejemplo a los sueños que navegan en los mares, o crean una flor incandescente, pero al dar vuelta en una esquina encuentra de nuevo una muchedumbre arrastrando a otras muchachas, aunque ahora en el grupo van también algunas mujeres mayores, todas están rapadas como emblema de su castigo, un hombre toca un tambor igual a si se tratara de un carnaval. En días posteriores, Paul Eluard escribe un poema que transcribo completo:




Comprenda quien quiera / mi remordimiento fue / la desdichada que quedó / en el pavimento / la víctima razonable / de ropa desgarrada / de mirada de niña perdida / descoronada desfigurada / la que se parece a los muertos / que murieron para ser amados / una joven hecha para un ramillete de flores / y cubierta / por el negro escupitajo de las tinieblas / una muchacha delicada / como una aurora de primavera / la más amable bestezuela / manchada y que no ha comprendido / que está manchada / una bestezuela caída en la trampa / de los aficionados a la belleza / y mi madre la mujer / bien querría acariciar/ esta imagen ideal / de su desdicha sobre la Tierra.

Para dejar aún más clara su postura frente a estas represalias, el autor de Capital del dolor, escribió años después como epígrafe de estos versos: “En esa época, para no castigar a los culpables, se maltrataba a muchachas delicadas, hasta se llegaba a raparlas”. El gran poeta siempre logra expresar cosas verdaderas, lejanas o profundas, frente a los hechos mismos que testifica. En este caso, así sucede, aunque en realidad un sentimiento muy sencillo impregna todas sus palabras: la compasión.

Si no existe piedad, no hay belleza. El poeta no podía dejarse envolver en las bajas pasiones de la muchedumbre, en la cobardía ensañada contra “muchachas delicadas”, ni habría de justificar con ideología un abuso, a pesar del ansia de venganza y de las circunstancias de la guerra.

Paul Eluard participó en el movimiento dadaísta y luego en el surrealismo. Tuvo capacidad para la ensoñación, la expresión del amor y las reivindicaciones de la libertad. A partir de la publicación de sus primeros poemas en 1924, fue considerado el poeta amoroso por excelencia, no sólo en la celebración, sino también en la soledad, en la ausencia del amor. Amando el amor. En verdad, la claridad me ofuscó. Conservo en mí lo suficiente de ella para mirar la noche, toda la noche, todas las noches.

Vivió inmerso en los ambientes de vanguardia, bohemios y políticos parisinos. Como miembro de la Resistencia, durante la guerra tomó todos los riesgos. Al igual que muchos artistas sinceros, no pudo superar las tensiones de su militancia en el comunismo. Amaba la libertad para cederla a la ideología o a la disciplina partidista. Al final de sus días se aisló por ello.

Las jornadas de humillación y crueldad durante la Liberación le causaron un gran disgusto. Nunca pudo justificarlas y sintió habían degradado una causa justa, sobre todo porque muchos verdaderos culpables cambiaron simplemente de camisa y se mantuvieron en el poder. Por ejemplo, Francois Miterrand —el tío del actual secretario de cultura de Nicolas Sarkozy—, miembro del grupo antisemita La Caugolé y partidario de Vichy, quien cambió de bando oportunamente y nunca fue juzgado por sus responsabilidades como colaboracionista de élite. Hasta llegó a ser Presidente de la República.




Pero la poesía trasciende todas las infamias.

Obras representativas

Los textos de Paul Eluard se dividen en tres etapas.

Etapa dadaísta

» El deber y la inquietud (1917)

» Los animales y sus hombres (1920)

» Las desdichas de los inmortales (1922)

Etapa surrealista

» Morir de no morir (1924)

» Capital del dolor (1926)

» La libertad o el amor (1927)

» La vía inmediata (1932)

» La rose publique (1934)

» La evidencia poética (1937)

» Curso natural (1938)

Etapa de resistencia

» Poesía y verdad (1942)

» A Pablo Picasso (1944)

» Cita alemana (1945)

» Una larga reflexión amorosa (1945)

» Poesía interrumpida (1946)

» Memorias de la casa de los locos (1946)

» Poemas políticos (1948)

» Cuerpo memorable (1948)

» Una lección de moral (1949)

» Todo dicho (1951)

» Fénix (1952)

» Últimos poemas de amor (1963)

Pablo Picasso 1881 - 1973 LA LECTURE

Pablo Picasso
1881 - 1973
LA LECTURE
signed Picasso (upper right); inscribed 11 decembre M.CM.XXXII. on the reverse
oil on panel 65.5 by 51cm. 25 3/4 by 20 1/8 in. Painted in January 1932.
ESTIMATE 12,000,000 - 18,000,000 GBP
Lot Sold. Hammer Price with Buyer's Premium: 25,241,250 GBP

PROVENANCE
(possibly) Paul Rosenberg &Co., Paris
Valentine Dudensing Gallery, New York (acquired by 1940)
Keith Warner, Fort Lauderdale &New York
Paul Rosenberg &Co., New York (acquired from the estate of the above in 1963)
Mr &Mrs David Lloyd Kreeger, Washington, D.C. (acquired from the above in January
1964)
Mr &Mrs James W. Alsdorf, Chicago (acquired by 1980)
Sale: Habsburg, Feldman, New York, 8th May 1989, lot 57
Private Collection
Acquired by the present owner in 1996

EXHIBITION
Paris, Galerie Georges Petit &Zurich, Kunsthaus, Exposition Picasso, 1932, no. 197 (in
Paris); no. 202a (in Zurich) (as dating from 1931 and titled La Lecture interrompue)
New York, Valentine Dudensing Gallery, Three Spaniards: Gris, Miró, Picasso, 1940
Los Angeles, County Museum of History, Science and Art (on loan 1945-46)
Washington, D.C., Corcoran Gallery &Baltimore, Museum of Art, Selections from the
Collection of Mr. and Mrs. David Lloyd Kreeger, 1965, no. 21, illustrated in the
catalogue New York, The Museum of Modern Art, Pablo Picasso: A Retrospective, 1980,
illustrated in the catalogue (titled The Dream (Reading) and as dating from January
1932)

LITERATURE
P. Gréguen, 'Picasso: Primitif Cérébral', in Cahiers d'Art, Paris, 1932, illustrated p. 114
J.L., 'Exhibitions of the Week: Three Spanish Painters, Gris, Miró, Picasso', in Art
News, New York, 6th April 1940, illustrated p. 27
Paul Eluard, Pablo Picasso, Geneva &Paris, 1944, illustrated pl. 168 (titled Femme
endormie and as dating from 1932)
Christian Zervos, Pablo Picasso, œuvres de 1926 à 1932, Paris, 1955, vol. 7, no. 363,
illustrated pl. 158 (with incorrect medium and measurements, and as dating from
January 1932)
Henri Dorra, The Collection of Mr. and Mrs. David Lloyd Kreeger, Washington, D.C.,
1970, illustrated p. 77
Jean Leymarie, Picasso: Métamorphoses et unité, Geneva, 1971, illustrated p. 78 (as
dating from January 1932)
Margy P. Sharpe, The Collection of Mr. &Mrs. David Lloyd Kreeger, Richmond, 1976,
illustrated in colour p. 206 (titled La Lecture interrompue and as dating from 1932)
The Picasso Project, Picasso's Paintings, Watercolors, Drawings and Sculpture.
Surrealism, 1930-1936, San Francisco, 1997, no. 32-002, illustrated p. 86 (with
incorrect medium and as dating from January 1932)
Picasso Harlequin, 1917-1937 (exhibition catalogue), Complesso del Vittoriano, Rome,
2008-09, mentioned p. 204 (with incorrect medium and measurements)
Picasso by Picasso, His First Museum Exhibition 1932 (exhibition catalogue),
Kunsthaus, Zurich, 2010-11, illustrated in a photograph of the 1932 Galerie Georges
Petit exhibition p. 98; illustrated in colour p. 243 (as dating from 1932)
CATALOGUE NOTE
Picasso's iconic paintings of his lover Marie-Thérèse Walter reign supreme as the
emblems of love, sex and desire in twentieth-century art. The sensual La Lecture,
which is one of the most recognisable images among this landmark series from the
Fig. 1
Pablo Picasso, Le Rêve, 1932,
oil on canvas, Private Collection,
Las Vegas © Succession
Picasso/DACS, London 2010.
Fig. 2
Marie-Thérèse Walter with her
mother's dog, 1932. Photograph
by Picasso, Collection Maya
Picasso.


Fig. 3
Pablo Picasso, Femme nue,
feuilles et buste, 1932, oil on
canvas. Sold: Christie's, New
York, 4th May 2010
beginning of 1932, essentially introduced the young woman as an extraordinary new
presence in Picasso's life and his art. This exceptional work is one in a series of
defining paintings in the artist's œuvre in which he depicts his lover asleep in an
armchair, the curves of her body transformed into a sumptuous confection with colourful
swirls and sweeping arabesques. Marie-Thérèse's potent mix of physical attractiveness
and sexual naivety had an intoxicating effect on Picasso, and his rapturous desire for
the girl brought about a wealth of images that have been acclaimed as the most erotic
and emotionally uplifting compositions of his long career. Picasso's unleashed passion
is nowhere more apparent than in the depictions of the sleeping beauty, the
embodiment of tranquility and physical acquiescence. Similar to Le Rêve (fig. 1),
painted only days apart, La Lecture is rich with signifiers of sexual availability, fertility
and pleasure and exemplifies Picasso's creative power in full bloom.
Picasso first saw Marie-Thérèse (fig. 2) on the streets of Paris in 1927, when she was
only seventeen years old, while he was entangled in an unhappy marriage to Olga
Khokhlova. 'I was an innocent girl,' Walter remembered years later. 'I knew nothing -
either of life or of Picasso... I had gone to do some shopping at the Galeries Lafayette,
and Picasso saw me leaving the Metro. He simply took me by the arm and said, 'I am
Picasso! You and I are going to do great things together' (quoted in Picasso and the
Weeping Women (exhibition catalogue), Los Angeles County Museum of Art, Los
Angeles &The Metropolitan Museum of Art, New York, 1994, p. 143). The couple's
relationship was kept a well-guarded secret for many years, both on account of
Picasso's marriage to Olga and Marie-Thérèse's age. But the covertness of the affair
only intensified Picasso's obsession with the girl, and many of his pictures, with their
dramatic contrasts of light and dark, allude to their secret interludes held under cover of
darkness.
La Lecture belongs to a group of works painted in January 1932 in anticipation of the
major retrospective that Picasso was planning that coming June. It was during these
preceding months that he first cast his artistic spotlight on the voluptuous blonde. Up
until this point he had only made reference to his extramarital affair with Marie-Thérèse
in code, sometimes embedding her symbolically in a composition or rendering her
unmistakable profile as a feature of the background. But by the end of 1931, Picasso
could no longer repress the creative impulse that his lover inspired, especially as his
marriage grew increasingly unbearable. John Richardson explains that while Olga
organised large holiday parties that December in an attempt to demonstrate family
unity, Picasso was involved in an artistic blood-letting, painting violent or murderous
depictions of his wife. The exercise was a catharsis, Richardson claims, that better
enabled him to focus on a 'languorous, loving painting of a lilac-skinned Marie-Thérèse
asleep' just in time for Christmas: 'On December 30, the day of the Christmas party,
Picasso found time to turn her into a swirl of arabesques: a lunar octopus, which
reminds us that he had associated her with the phases of the moon the previous
summer. By January 2, Marie-Thérèse's moon face is full, her eyes stare us down. The
fuzzy print in the open book that this moon goddess clutches in her anaconda arms
signifies pubic hair. Over the next three weeks, Picasso produced a succession of large
Marie-Thérèses, dozing in a chair with a red leather back, studded with brass nails' (J.
Richardson, A Life of Picasso, Volume III, The Triumphant Years 1917-1932, New
York, 2007, p. 466). Based on Richardson's description, we can deduce that La Lecture
belongs to this group of paintings from January 1932. In the frenzy of holiday activity,
Picasso must have mistakenly inscribed the reverse of this work with the date 11
decembre M.CM.XXXII., which cannot be correct as the painting was already exhibited
from June until October 1932.
'When a man watches a woman asleep,' Picasso confessed, 'he tries to understand'
(quoted in J. Richardson, A Life of Picasso, New York, 1991, vol. I, p. 317). The theme
Fig. 4
Pablo Picasso, Jeune fille à la
mandoline, 1932, oil on panel,
The University of Michigan
Museum of Art, Gift of The Carey
Walker Foundation © Succession
Picasso/DACS, London 2010.



Fig. 5
Henri Matisse, Odalisque au
tambourin, 1926, oil on canvas,
The Museum of Modern Art, New
York © Succession H. Matisse /
DACS 2010 DIGITAL IMAGE ©
2011, The Museum of Modern
Art/Scala, Florence
Fig. 6
Installation view of the Galerie
Georges Petit in June 1932, the
present work is visible in the
upper left. Photograph Collection
Reber
of the sleeping woman recurred in a series of works that explored his mistress in
different poses, either fully recumbent (fig. 3) or seated. The image of sleep and the
way in which Marie-Thérèse appears to lose herself in its oblivion links this work, via its
association with the unconscious, to Picasso's most fertile Surrealist images. Roland
Penrose, who was one of Picasso's Surrealist associates, said the following about
these paintings: 'Most of these figures painted with flowing curves lie sleeping, their
arms folded round their heads... The sleeper's breasts are round and fruitlike and her
hands finish like the blades of summer grass. The profile of the face, usually with
closed eyes, is drawn in one bold curve uniting forehead and nose above thick
sensuous lips' (R. Penrose, Picasso, His Life and Work, London, 1958, p. 243). The
suggestive imagery in La Lecture is not limited to the figure's body. Just as the lily is
depicted as a symbol of her purity and fecundity, the open book in her lap is understood
to be an allusion to her exposed genitalia, as are the hands in La Rêve and the musical
instrument in Jeune femme à la mandoline (fig. 4).
'When I paint a woman in an armchair,' Picasso once recounted, 'the armchair implies
old age or death... or else the armchair is there to protect her.' It is the latter sentiment
that clearly governs these depictions of Marie-Thérèse, but as Judi Freeman explains,
'In the 1930s these chair-bound women directly responded to Matisse's work as well.
Matisse painted many of his models in lavishly decorated interiors [fig. 5], often seating
them on elaborately upholstered chairs or on divans' (J. Freeman in Picasso and the
Weeping Women, op. cit., p. 157). While the differences between Picasso's and
Matisse's treatment of this subject is readily apparent, Picasso was careful to distance
himself from the work of his arch-rival. Picasso exhibited this work, together with Le
Rêve (fig. 1), in a retrospective in Paris and Zurich in the summer and autumn 1932. At
the Paris venue of this exhibition, he chose to hang his seated portraits of Marie-
Thérèse, including the present work, alongside his Cubist and Surrealist compositions
(fig. 6). Picasso's unusual placement of the pictures may have been intended to deflect
immediate comparisons to Matisse's odalisques that had hung in the same gallery the
prior year and to remind the audience of his undisputable originality.

JACKIE Andy Warhol

JACKIE Andy Warhol



1928 - 1987 JACKIE
signed on the overlap acrylic and silkscreen ink on canvas 56.2 by 46cm. 22 1/8 by 18 1/8 in.
Executed in 1963, this work has been authenticated and stamped by the Andy Warhol Art Authentication Board and assigned the
number A113.969 on the overlap.
ESTIMATE 400,000 - 600,000 GBP
PROVENANCE
Leo Castelli Gallery, New York (LC# 917)
Carlo Bilotti, New York
Private Collection, Turin
Sale: Sotheby's, London, Contemporary Art Part II, 30 June 1994, Lot 244
Erica Hartman, Boca Raton
Andrew L. Terner, Inc., New York
Stellan Holm, New York
Private Collection, Stockholm
Sale: Sotheby's, New York, Contemporary Art Part II, 20 November 1997, Lot 300A
Acquired directly from the above by the present owner

EXHIBITION
Tokyo, Prantam Ginza Department Store, Andy Warhol, 1988-89, illustration of detail
New York, Tony Shafrazi Gallery, Andy Warhol: Thirty are Better than One, 1997, p. 24,
illustrated in colour

LITERATURE
Georg Frei and Neil Printz, The Andy Warhol Catalogue Raisonné. Paintings and
Sculptures 1964-1969, New York 2004, Vol. 2A, p. 221, no. 1201, illustrated in colour

Fig. 1
Lyndon B. Johnson taking the oath of office on Air Force One following the assassination of
John F. Kennedy, Dallas, Texas, 22 November 1963. Photograph: Cecil W. Stoughton, White House
Press Office







ROT-BLAU-GELB Gerhard Richter








signed, dated 1972 and numbered 332/2 on the reverse
oil on canvas
100 by 100cm.; 39 3/8 by 39 3/8 in.
ESTIMATE 150,000 - 200,000 GBP
PROVENANCE
Galerie Jasa, Munich
Private Collection, New York
Private Collection, Switzerland

LITERATURE
Jürgen Harten, Ed., Gerhard Richter: Paintings 1962-1985, Cologne 1986, no. 332-2, p. 155, illustrated Angelika Thill, et al., Gerhard Richter, Catalogue Raisonné: 1962-1993. Vol. III, Ostfildern-Ruit 1993, p. 163, no. 332-2

CATALOGUE NOTE
'Three primary colours, as the source of endless sequences of tones: either tone by tone, systematically multiplied,
and (precisely) presented (colour charts), or this artificial jungle. The shades and forms emerge through the
constant bleeding of brushstrokes; they create an illustionistic space, without any need for me to invent forms or
signs.'
Gerhard Richter, "From a Letter to Edy de Wilde, 23 February 1975" cited in: Dietmar Elger, Gerhard Richter, A Life
in Painting, Cologne 2002, p. 211